« Le chant harmonieux des sphères, longtemps rêvé par les Pythagoriciens puis par tant d’autres jusqu’à la Renaissance scientifique, semble avoir changé de ton. Aujourd’hui les outils de mesure développés par les astrophysiciens en témoignent : le ciel, empli de bruit et de fureur, crie. 

En 1991, le compositeur Gérard Grisey livre sa propre transcription d’une telle activité cosmique. En collaboration avec l’astrophysicien Jean-Pierre Luminet, il créé pour les Percussions de Strasbourg une pièce intitulée Le Noir de l’étoile. Composée pour 6 percussionnistes et signaux astronomiques de pulsars, la partition révèle une rythmique violente, lancinante, haletante, resserrée, étirée comme une possible traduction musicale des phénomènes célestes. 

La création 2022 que je m’apprête à amorcer portera le même nom : Le Noir de l’étoile. Et pour cause, à partir d’une fidèle traduction chorégraphique de la pièce de Grisey, elle proposera d’en déployer une autre dimension poétique: il se s’agira plus de donner à entendre ce qui échappe à l’oreille humaine, mais de le donner à voir. 

En développant et complexifiant les outils de traduction à partir d’une partition musicale (recherche amorcée dans Diverti Menti - 2020 puis avec Double Septet - 2021), notre version scénique du Le Noir de l’étoile travaillera à son tour à donner corps au cri du ciel. 

Les révolutions scientifiques (la théorie de la relativité générale élaborée par Einstein puis celle, plus récente, de la mécanique quantique) ont considérablement bouleversé notre compréhension physique des mécanismes de l’univers au cours des dernières décennies. Ce qui en résulte (comme cela a souvent été le cas dans l’histoire des découvertes cosmologiques…) dépasse littéralement - pour les non-spécialistes que nous sommes - notre entendement ! 

Pensée comme une véritable recherche trans-disciplinaire, le processus de création invitera la physique, l’astrophysique, l’acoustique à partager nos grilles de lecture du monde. Une telle mise en partage des savoirs m’apparait aujourd’hui comme une nécessité pour renouveler nos imaginaires, inventer de nouveaux modes de représentations, et espérer ainsi dépasser ce que ce que précisément nos concepts n’arrivent plus à saisir. » 

À l’automne 2019, deux ensembles neuchâtelois Castel Camerata et NEC, en collaboration avec l’Association Danse Neuchâtel (ADN), invitent la chorégraphe Maud Blandel à créer à une version scénique de l’œuvre culte du compositeur minimaliste américain Steve Reich : Double Sextet. Poursuivant l’exploration des questions de traduction à partir d’une partition musicale – amorcée avec Diverti Menti (2020) – la chorégraphe lausannoise et les danseuses Maya Masse et Romane Peytavin tentent de s’approprier les principes d’unité (imbrication), de dualité (stéréo) et d’écho initiés par Steve Reich. Elles en développent les modalités de composition chorégraphique : la création d’un pas de deux explorant les enjeux du duo, ses richesses et sa complexité. Réunissant 12 musicien·ne·x·s et 2 danseuses, la création de Double Septet offre à Maud Blandel l’opportunité d’approfondir ses préoccupations autour de l’articulation du savant et du populaire. En quoi consiste l’écriture de la danse ? Qu’est-ce qui s’écrit ou ne s’écrit pas ? À partir d’une partition chorégraphique dite «ouverte», elle travaille la codification d’une pratique et explore avec ses interprètes le soin du phrasé rythmique comme puissante source d’expressivité.

Pour sa troisième pièce intitulée Diverti Menti, Maud Blandel invite la danseuse Maya Masse à développer une approche de la composition à partir de la série des Divertimenti de Mozart. De cette recherche naît une réorchestration du Divertimento K.136 pour un quatuor inédit : trois solistes de l’Ensemble Contrechamps de Genève et un corps dansant. Que révèle une telle transposition du divertissement ? Qu’est-ce que cette nouvelle organisation dévoile de la fonction divertissante ? 

De tous temps, chaque culture a su inventer ses propres rituels de transe afin de libérer les âmes captives d’une communauté. Qu’importe le régime fictionnel du rituel, il s’agit dans tous les cas d’une traversée: une extase, ou la possibilité d’être hors de soi, lors d’un temps limité. 
Pour sa seconde pièce, Maud Blandel choisit d’enquêter sur l’un de ces rituels: le tarentisme. Rite de guérison populaire du sud de l’Italie mêlant christianisme, pratiques magiques et catharsis musicale, il ne témoigne pas seulement des formes conjuratoires mis en place par une société, il rend également compte de tout un pan de l’évolution des rapports de force culturels. D’origine tellurique puis religieuse, le tarentine est aujourd’hui récupéré par une féroce industrie touristico-festive.                                 
Pièce formelle pour 4 danseuses, Lignes de conduite choisit de retracer l’évolution du phénomène de possession afin d’interroger poétiquement ce qu’a produit la spectacularisation de telles pratiques. 

Performance adaptée du spectacle TOUCH DOWN  (2015)

TOUCH DOWN (time out) prend comme terrain d’enquête la ligne de touche des universités américaines et comme sujet d’observation ses icônes populaires : les cheerleaders, plus communément appelées pompom girls. Devenues figures incontournables de ce rituel, elles occupent aujourd’hui un rôle central dans la cérémonie du sport-spectacle : combler le vide des temps morts.

Maud Blandel se saisit du dernier week-end de l’exposition « Nous sommes foot » pour éprouver la pièce scénique TOUCH DOWN en la réadaptant en version muséale. Les visiteurs du Mucem croiseront ces danseuses aux sourires inaltérables qui, 6h durant, s’essouffleront pour emplir l’espace vacant. La pièce sera activée ou non, au gré des déambulations du public.

TOUCH DOWN a été présenté dans sa version scénique au Merlan scène nationale de Marseille, le samedi 30 janvier 2016 dans le cadre de Parallèle 6.

Un jour, les Dieux des stades ont dit :

Et si le chef-d’œuvre de Stravinsky avait quelque chose de commun avec une pom-pom girl ? Et s’il existait un parallèle entre l’offrande humaine du Sacre du printemps et le destin tragique d’une cheerleader ? Confrontant culture savante et culture populaire, « noble » et « ig-noble », Maud Blandel lance cinq danseuses dans un ballet à la physicalité exacerbée, où les corps se mesurent à la puissance de la musique et de la lumière. Livrée aux feux de la rampe, aux Dieux du stade et à ses supporters en délire, la pom-pom girl enchaîne les tableaux. Mais de quelle idéologie est-elle l’icône ? Détournant jusqu’à les profaner les motifs de sa pratique ultra-codifiée, Touch Down redessine un folklore contemporain, où l’on sent poindre l’inquiétude face au sacrifice du corps féminin.